Quebre as regras e 7 outras lições de designers gráficos lendários

Empresários, designers e pensadores sempre podem usar alguma inspiração para criar idéias inovadoras. Como designer gráfico, muitas vezes procuro os pioneiros da minha área em busca de idéias para a resolução criativa de problemas. Cada uma dessas figuras oferece lições importantes não apenas no design, mas também na inovação que pode ser aplicada a qualquer pessoa que trabalhe com novos métodos, produtos ou experiências. Aqui estão algumas maneiras pelas quais esses ícones podem inspirar você a criar algo novo:

1. Concentre-se em áreas negligenciadas. - Saul Bass

Antes de Saul Bass, os títulos de filmes eram considerados tão sem importância que as cortinas do teatro não eram afastadas até que terminassem. Quando O Homem do Braço de Ouro, de Otto Preminger, foi lançado em 1955, com a sequência mínima e animada de títulos de Bass, os projecionistas foram realmente instruídos a abrir a cortina antes do início dos créditos.

Em vez de destacar a estrela do filme, ele desenvolveria imagens simbólicas para representar o significado do filme. Para O Homem do Braço de Ouro, estrelado por Frank Sinatra como um traficante de cartas viciado em heroína, recortes de papel abstratos entram na tela em diferentes ângulos enquanto a pontuação brutal é reproduzida. No final, os recortes se transformam em um braço distorcido, o símbolo principal do filme. Pela primeira vez, a sequência do título criou o clima e se tornou parte do filme. Bass mais tarde criou títulos clássicos para Psycho, Vertigo, North by Northwest e Goodfellas, entre outros.

Bass também mudou a maneira como os filmes eram comercializados, criando um conjunto abrangente e consistente de materiais, de títulos na tela a pôsteres e publicidade. Ele trouxe a mesma abordagem visual icônica para seu trabalho de identidade corporativa para a Continental Airlines, AT&T e Warner Communications, algumas das quais ainda estão em uso hoje.

2. Quebre as regras. - Filippo Tommaso Marinetti

Embora mais conhecido como poeta, o fundador do futurismo italiano Filippo Tommaso Marinetti trouxe uma nova forma de expressão a essa arte literária, quebrando todas as regras da tipografia. Seu "Manifesto Futurista", publicado em 1909, pedia uma revolução na arte, poesia e design. Ele pediu a demolição dos meios tradicionais de criação e instou os artistas a abraçar a velocidade, os processos mecânicos e a violência do mundo industrializado.

Ele publicou seu primeiro livro, Zang Tumb Tumb, em 1914. Com base em suas experiências durante a Guerra dos Balcãs de 1912, o título é uma representação gráfica dos sons mecanizados de tiros, granadas e outras armas. Foi um de seus experimentos em “palavras em liberdade”, onde ele se afastou da escrita linear convencional usando apenas substantivos - sem adjetivos ou verbos. Desafiando a tipografia tradicional, ele desenhou a capa usando uma mistura de tipos de letra em escalas e ângulos variados e percorreu a página. Ele foi pioneiro na tipografia expressiva, dando-lhe uma qualidade pictórica; suas palavras pareciam o que pareciam . O design gráfico ainda reflete sua profunda influência.

3. Perseverar . - Cipe Pineles

Hoje, as mulheres representam cerca de metade da profissão de design gráfico. Mas quando Cipe Pineles estava procurando seu primeiro emprego de designer nos anos 30, os possíveis empregadores estavam interessados ​​em seu portfólio - até que descobriram que o nome incomum pertencia a uma mulher.

Ela continuou tentando, no entanto, e acabou se tornando assistente do diretor de arte de Condé Nast, Mehemed Fehmy Agha, em 1932, expandindo seu papel nos próximos 15 anos. Ela se tornou diretora de arte da Glamour em 1942, a primeira mulher a ocupar esse cargo em uma grande revista americana. Ela se mudou para a Seventeen e, em 1950, Pineles se tornou diretora de arte da Charm, uma revista voltada para uma nova demografia: mulheres trabalhadoras. Ela desenhou propagandas de moda mostrando as roupas em uso - no trabalho, deslocando-se e fazendo recados. "Tentamos tornar o prosaico atraente sem usar os clichês cansados ​​do falso glamour", observou ela em uma entrevista posterior. "Você pode dizer que tentamos transmitir a atratividade da realidade, em oposição ao brilho de uma terra que nunca nunca". Seu trabalho ajudou a redefinir a aparência das revistas femininas, além de promover o papel das mulheres na sociedade.

Pineles também foi a primeira mulher a ingressar no New York Art Directors Club e a primeira mulher eleita para o Hall da Fama. Durante uma carreira de muitos primeiros, Cipe Pineles liderou com seu trabalho, e ela liderou pelo exemplo. Ela nunca desistiu.

4. Colabore. - Ladislav Sutnar

O designer tcheco Ladislav Sutnar mudou-se para Nova York em 1939 e logo conheceu o escritor / arquiteto Knud Lönberg-Holm, que se tornaria seu parceiro no desenvolvimento de novos métodos de criação de informações para os negócios.

Eles trabalharam juntos para melhorar o Serviço de Catálogo da Sweet, que compilou os catálogos de diferentes fabricantes da indústria da construção. Reconhecendo que as pessoas procuram produtos de maneiras diferentes, elas desenvolveram um sistema que fazia referência cruzada de cada item por empresa, comércio e nome do produto. Sutnar esclareceu a grande quantidade de informações, usando cores, formas, gráficos e símbolos gráficos para orientar o leitor. Ele estabeleceu a hierarquia enfatizando o tipo - alterando a escala e o peso, revertendo a cor e usando itálico e parênteses - o que facilitou a leitura, a leitura e a lembrança. (Ele também estabeleceu o protocolo padrão de colocar os códigos de área dos números de telefone entre parênteses.) Seus projetos não eram apenas visualmente interessantes, mas também úteis.

Sutnar e Lönberg-Holm, que também colaboraram em três livros para orientar os designers, trabalharam no desenvolvimento de uma linguagem visual que se comunicasse diretamente. Cartas, gráficos e imagens simplificaram as informações, ajudando pessoas ocupadas a economizar tempo. A maneira como eles orientam os leitores através de informações complexas parece muito com o que chamamos de design da informação ou arquitetura da informação, que foi mais desenvolvida por Edward Tufte e Richard Saul Wurman, bem como por designers digitais e da web em todos os lugares. Nem Sutnar nem Lönberg-Holm poderiam ter conseguido tudo isso sozinhos; cada um se beneficiou da experiência do outro.

5. Compreenda a história. - Milton Glaser

Depois de se formar na Cooper Union em 1951, Milton Glaser foi para a Itália com uma bolsa da Fulbright. Na época, o modernismo era o estilo predominante no design. Estudar com o pintor Giorgio Morandi transformou a visão de Glaser sobre o design. Ele aprendeu a respeitar o passado e a se inspirar em idéias e movimentos que realmente vieram antes da Bauhaus. Glaser não tinha nada contra o modernismo; ele apenas achava que havia percorrido seu caminho para inovação e expressão. Em vez disso, ele adotou estilos históricos, ornamentos e complexidade.

Em 1966, Glaser desenhou um cartaz que foi incluído no álbum Greatest Hits de Bob Dylan: uma silhueta simples do perfil do cantor / compositor, inspirada em um auto-retrato de Marcel Duchamp, trazido à vida com um arco-íris de cachos, alguma influência do Art Nouveau, e um tipo de letra personalizado. O álbum vendeu milhões de cópias, tornando o pôster um dos mais amplamente distribuídos na história (embora o próprio Dylan aparentemente nunca tenha gostado).

Um dos muitos pontos fortes da Glaser é sua versatilidade. Ele fundou a revista New York com o jornalista Clay Felker em 1968, dirigindo a arte por nove anos. Tornou-se o modelo para as revistas da cidade em todo o país. A Glaser também projetou o onipresente logotipo "I Love NY". Seu amor pela comida levou a projetos de design gráfico e de interiores para restaurantes e supermercados, e seu ensino e escrita contribuíram muito para o campo. Ele ainda trabalha hoje, revisitando recentemente a viagem dos anos 1960 para uma campanha publicitária para o programa de TV Mad Men .

6. Adote novas tecnologias. - Rudy Vanderlans e Zuzana Licko

A Apple abriu novos caminhos em 1984, quando lançou o computador Macintosh. Os designers Rudy VanderLans e Zuzana Licko fizeram o mesmo (embora em menor escala) com a revista Emigre . Enquanto muitos designers inicialmente resistiram ao computador, VanderLans e Licko o adotaram, embora de maneiras diferentes e complementares: VanderLans gostou da liberdade que ele lhe dava no design de layouts, enquanto deu ao Licko um método disciplinado para o design de tipos.

7. Mudar de marcha. - Muriel Cooper

Muriel Cooper tinha duas carreiras de design: primeiro como designer de impressão e segundo como designer digital inovador. A partir de 1952, ela trabalhou para o Escritório de Publicações do MIT e, eventualmente, tornou-se diretora de arte da MIT Press. Ela projetou muitos livros clássicos, bem como o logotipo icônico da editora.

Cooper fez sua primeira aula de informática no MIT em 1967, e isso a deixou perplexa. No entanto, ela pôde ver o potencial do computador no processo criativo e logo começou a segunda fase de sua carreira: aplicando suas habilidades de design em telas de computador. Com Ron MacNeil, Cooper foi co-fundador do grupo de pesquisa Visible Language Workshop em 1975, que mais tarde se tornou parte do Media Lab do MIT. Ela incentivou seus alunos a usar a tecnologia para apresentar informações bem projetadas.

Cooper apresentou a pesquisa do grupo na influente conferência TED5 (Tecnologia, Entretenimento, Design) em 1994. Pela primeira vez, os gráficos de computador foram mostrados em três dimensões transparentes, que se moviam, mudavam de tamanho e mudavam o foco, em vez da interface padrão do Windows. painéis opacos empilhados como cartões. Ela causou um grande impacto: até o fundador da Microsoft, Bill Gates, estava interessado em seu trabalho. Infelizmente, ela morreu subitamente logo depois, mas seu legado no design interativo continua.

8. Faça o mundo mais humano. - John Maeda

John Maeda, agora um parceiro de design da Kleiner Perkins Caufield & Byers, era um estudante de ciência da computação no MIT a caminho de se tornar um designer de interface do usuário. Depois, ele leu Thoughts on Design, de Paul Rand - uma experiência que o fez perceber que entender o computador não fazia necessariamente de um bom designer. Isso o motivou a estudar design gráfico, onde adicionou habilidades e conceitos tradicionais de design ao seu conhecimento em computadores.

Maeda voltou ao MIT para ensinar e fundou o Grupo de Estética e Computação no Media Lab. Foi lá que Maeda explorou a área onde o design e a tecnologia se encontram. Para Maeda, o computador é uma ferramenta e um meio. Por meio do Media Lab, Maeda criou experiências digitais como The Reactive Square, em que as formas responderam ao som, e Time Paint, um programa baseado em tempo de cores voadoras. Seu projeto Design by Numbers incentivou designers e artistas a aprender programação de computadores.

Maeda, que foi presidente da Escola de Design de Rhode Island de 2008 a 2013, considera o pensamento criativo tão importante quanto a capacidade técnica no desenvolvimento dos líderes de amanhã. Com ênfase na ciência, tecnologia, engenharia e matemática (STEM) em todo o sistema educacional do país, Maeda propõe a adição de um A para a arte, para criar o STEAM. Seu objetivo? Não para tornar o mundo mais de alta tecnologia, mas para torná-lo mais humano.